É verdade. Neste post eu falei sobre o que podemos aprender com a fotografia do cinema. E agora vou indicar alguns filmes que todo fotógrafo deveria assistir. Então, prepara a pipoca, pega o refrigerante, separa um chocolate… e vem comigo!

Janela Indiscreta (1954)

Um das obras mais marcantes do mestre do suspense, Alfred Hitchcok, e um marco na história do cinema. O filme conta a história de um fotógrafo que fraturou a perna enquanto trabalhava e agora precisa ficar em casa, repousando. Entediado, ele decide usar seu equipamento para observar a vizinhança e acaba descobrindo coisas que não gostaria. O filme mostra como o olho humano é extremamente potente e o quanto o poder da observação atenta é importante.

O Mágico de Oz (1939)

O filme mais antigo desta lista e um dos primeiros que utilizou a tecnologia de coloração da Technicolor. Toda a narrativa deste filme é atrelada às cores e à fotografia. Enquanto Dorothy está no Kansas, todo o filme é puxado para o sépia, mas quando ela entra no mundo mágico de Oz, tudo ganha cor.

Ele conta a história de uma menina que viaja acidentalmente pra um mundo desconhecido e precisa encontrar um jeito de voltar para casa. Ao longo de sua jornada, ela faz amigos bem peculiares: um espantalho que deseja um cérebro, um homem de lata que quer ter um coração e um leão que quer coragem. Os quatro se juntam para encontrar o famoso Mágico de Oz, esperando que ele atenda todos os seus pedidos

A Origem (2010)

Uma obra genial de um diretor genial. A Origem é o tipo de filme que quando acaba a gente precisa de um tempo para assimilar tudo aquilo que acabou de rolar na nossa frente.

O enredo conta a história de um ladrão que invade os sonhos das pessoas para roubar seus segredos e isso faz com que ele seja procurado por pessoas da espionagem empresarial que lhe dão uma missão quase impossível de ser realizada.

Um universo onde a mente humana é capaz de penetrar durante o sono nos proporciona uma infinidade de possibilidades, afinal, é o mundo dos sonhos. Tudo pode acontecer ali. Então não espere nada menos do que uma fotografia incrível e surrealista.

O Fabuloso Destino de Amélie Poulain (2001)

Após mudar para uma nova casa, em Paris, Amélie encontra uma caixa perdida em seu porão. Imaginando que poderia ser do antigo dono, ela decide procurá-lo e entregar o objeto. Ao encontrá-lo, Amélie percebe que o rapaz chora de emoção ao rever sua caixa e decide que esse será o novo sentido de sua vida: levar alegria às pessoas através de pequenos gestos.

O enredo é lindo, mas a fotografia desse filme roubou completamente a cena. O filme tem um primor visual, cores marcantes, fotografia muito bem trabalhada e cheia de detalhes.

Gravidade (2013)

O astronauta Matt Kowaslki e a doutora Ryan Stone vão para o espaço para consertar o telescópio Hubble. Entretanto, são surpreendidos por uma chuva de destroços de um satélite fazendo com que eles se percam no infinito do espaço sideral. Agora, sem contato com a base da Nasa, eles precisam encontrar um meio de sobreviver em um ambiente inóspito para o ser humano.

Ou seja, um filme com a paleta de cores bastante escura, onde o jogo de luzes foi muito utilizado e os resultados são incríveis. Gravidade ganhou o Oscar de melhor fotografia, em 2014 e entrou para a história do cinema.

E aí, já assistiu algum desses filmes? Viu todos? Não viu nenhum?

Então tá aí uma boa pedida para o fim de semana. Selecione alguns desses, prepare um pipoca com manteiga, fecha a cortina da sala pra criar aquele clima e bom filme!

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*FATO CURIOSO*

Conta a história que, na primeira exibição dos irmão Lumière, em 1895, denominada “L’Arrivée d’un trains en gare de La Ciotat” (“A Chegada de um Trem na Estação”), um filme com pouco menos de 60 segundos onde um trem chegava à estação de La Ciotat e alguns passageiros desembarcavam, as pessoas que assistiam à projeção correram para o fundo da sala com medo de serem atropeladas pelo trem que se aproximava da tela

Cooooorreee! Vai bateeer!

*FIM DO FATO CURIOSO*

Sendo assim, muitas das técnicas das duas artes se misturam. E mais: podemos aprender muito assistindo filmes. Sabe como? Observando a fotografia dele. Então prepara a pipoca, pega o refrigerante, senta, relaxa e vamos nessa!

O que é a fotografia de um filme?

É um conjunto de técnicas e ações responsáveis por transpor as páginas do roteiro para imagens. Para muitos, a fotografia refere-se apenas à iluminação da cena, mas nãaao! Ela engloba todo o mise-en-scène (tudo o que está enquadrado na cena: personagens figurino, itens do cenário, profundidade de campo, iluminação… até a escolha do tipo de equipamento é responsabilidade do diretor de fotografia do filme)

Todo filme tem um diretor geral. É ele quem toma a decisão final sobre como a cena deve ser gravada, enquanto o diretor de fotografia aponta os meios para fazer a cena como ele descreveu.

E o que eu posso aprender com o cinema?

A fotografia é uma linguagem independente no cinema e quando os diretores ( os dois, geral e de fotografia) fazem o trabalho bem direitinho, você não precisa de diálogo nenhum para entender o que cada cena quer transmitir, a fotografia faz isso por si só.

A fotografia fala de muitas formas: movimentos de câmera, ações de personagens, enquadramentos, cores. Quentin Tarantino usa elas com maestria em seus filmes.

*SPOILER ALERT – Alguns spoilers podem aparecer a partir daqui. Se você ainda não assistiu a algum dos filmes citados abaixo, corre lá, assiste e depois volta aqui. Eles são incríveis*

Pulp Fiction – Tempo de Violência (1994)

Em Pulp Fiction, após uma análise detalhada, temos a sensação de que nada foi por acaso. Tudo o que o diretor colocou na cena tem um motivo.

O espelho mostra reflexão, uma tomada de decisão necessária. No filme, Vincent precisa tomar decisões em dois momentos. No primeiro, a decisão é pequena, mas ainda assim gera dúvida no personagem. Para simbolizar isso, o diretor posiciona a câmera em contre-plongée, mostrando de quem é o poder de decisão, inclina o horizonte, indicando que ele está em dúvida, e posiciona um pequeno espelho refletindo Vincent, afinal, é o momento de reflexão dele.

Já no segundo momento, depois de levar Mia, a esposa de seu chefe, para dançar, flertar com ela e se deparar com a decisão moral de trair ou não a confiança dele, Vincent é refletido por um espelho que cobre toda a parede, afinal, essa é um decisão giganteeeesca.
E, assim como na primeira cena, a câmera está posicionada em contre-plongée e a linha do horizonte está inclinada, com a mesma simbologia.

Na cena do meme de John Travolta, vemos, ao fundo, um quadro com as cores roxo e dourado. Podemos interpretar que o quadro representa os personagens de Travolta (Vincent) e Samuel L. Jackson (Jules).

O dourado mostra uma libertação espiritual, que acontece com Julius, ao final do filme. Já o roxo simboliza o assassinato de Vincent.

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MAS COMO ASSIM O ROXO SIMBOLIZA ISSO? ?

É verdade. Inclusive, existe um livro que aborda o uso das cores , chamado “If it’s Purple, Someone’s Gonna Die – The Power of Color in Visual Storytelling”. Super indico a leitura Não encontrei ele traduzido para o português, mas vale muito a pena.

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O Grande Hotel Budapeste (2014)

É muito bacana quando somos reconhecidos pelo nosso trabalho. Melhor ainda é quando os observadores vêem nossos projetos e, antes mesmo de ver o nome do autor, já nos identificam. Isso acontece quando criamos uma assinatura visual do nosso trabalho. E isso aconteceu com Wes Anderson, diretor de “O Grande Hotel Budapeste”.

Em seus filmes, a paleta de cores e a simetria nos quadros são muito marcantes. Ele utiliza planos com o objeto principal da imagem bem centralizado e as cores muito bem definidas.

O uso das cores e o contraste entre elas precisam criar quadros amigáveis aos olhos do observador. Uma forma interessante de utilizá-las é observando um disco cromático e criar paletas complementares, análogas, monocromáticas. Um site que pode nos ajudar nessa definição é o Adobe Color. Use e abuse dele rs

Lembra que eu falei ali em cima que a escolha do equipamento também é função do diretor de fotografia? Então, os planos do Wes Anderson costumeiramente usam objetivas com o diafragma bem fechado para deixar o quadro todo focado.

2001: Uma Odisséia no Espaço (1968)

O uso de linhas nas composições criam uma dinâmica interessante. O fotógrafo russo Aleksandr Rodchenko utilizou esse recurso em muitas de suas fotos. E o diretor Stanley Kubrick faz o mesmo nesta obra-prima do cinema. As linhas guiam o observador e, com este recurso, podemos direcionar o olhar dele para o objeto principal de nossa foto.

O Regresso (2015)

As cores são ponto forte aqui também e falam muito. Por ser um filme onde o protagonista passa a maior parte do tempo solitário, em lugares frios, o azul, tido como a cor mais fria, que representa tristeza, melancolia e solidão, predomina o quadro.

Mas, além disso, o diretor de fotografia utilizou luz natural durante quase todo o filme. Saber usar a luz é tão importante quanto compor um quadro, afinal, diferentes ângulos de luz criam sombras diferentes.

Dominar o uso da luz em seus quadros e entender como a luz e as sombras podem trabalhar a seu favor é de extrema importância. Quando compreendemos a luz, percebemos que não é necessário o uso de equipamentos super caros para este fim.

Em resumo…

Sempre que vamos fotografar, algumas escolhas devem ser feitas e são muito importantes para que alcancemos um bom resultado.

E, muitas vezes, essas decisões referem-se a detalhes pequenos, mas com grande significado. Compor a cena é muito importante. Os objetos falam. Eles não servem apenas para deixar tudo mais bonitinho ou tapar buracos. O posicionamento da câmera transmite sensações. Conhecer e saber como utilizar a luz é essencial.

E como um aprendizado final neste post podemos dizer que, na hora de fotografar, cada detalhe conta!

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